318报道 | 关山月美术馆第六届“青春心印”创新开展，与深圳城市文化特质相融相通

自2014年关山月美术馆首届“青春心印”工笔画展举办以来，已陪伴青年工笔画爱好者走过五个春秋，在这个冬天，终于成功迎来了第六届“青春心印”，全新的展览结构让传统工笔画生发出新的活力。2019年12月21日下午，在深圳市关山月美术馆内，“青春心印——第六届关山月美术馆青年工笔画展”清馨启幕。

中国工笔画历史悠久，可上溯到战国帛画。唐宋时达到鼎盛，诞生了难以逾越的艺术高峰，以及永垂丹青史册的经典之作。唐宋后随着古代中国的国力渐衰和文人画的兴起，工笔画日渐式微，到清末可谓衰败至极。从鸦片战争始，中国开启了民族复兴的进程，几代人上下求索，艰难前行。可幸的是，20世纪以来，特别是新中国成立70年以来，中国人民不断创造奇迹，工笔画也随之开始复苏，而中国工笔画真正迅猛的发展，则是在20世纪80年代改革开放后，可以这样说，中国工笔画的兴衰和中华民族的兴衰是同步的。

就深圳而言，从1979年由宝安县撤县设市，到第二年成立经济特区，迈出了腾飞的脚步。到2018年，全市生产总值增长两千多倍，经济总量居全国内地城市第三位。今天，深圳成为了解中国改革开放四十年发展历程的典范，更形成了一种有别于传统社会文化的新型现代城市文化特质，追求“和而不同，兼容并包”的文化价值观。这得益于不同地域文化的融合，更是改革开放和中国特色社会主义市场经济发展在文化上的反映。

在改革开放的历史进程中，在东西方文化交融互渗的学术氛围中，当代工笔画家的探索精神和创造意识得到张扬，大家以包容、开放、多元和创新的心态延接工笔画传统，同时又基于当代绘画局，向古今中外的视觉艺术汲取养料，使工笔画从精神内涵到形式语言都有很大拓展，并成为当代中国画坛最具创造活力和开拓精神的画种之一。中国工笔画开始了全面变革与复兴。中国工笔画的兴衰和中华民族的兴衰是同步的，今天深圳城市文化的特质与中国工笔画的文化特质也是相融相通的。这正是关山月美术馆从2014年始关注当代中国工笔画发展，整合社会优质资源，连续五年主办“青春心印”的原因所在。

据主办方介绍：今年的第六届“青春心印”展览为更好地研究、推广优秀青年艺术家，采用更有针对性、也更为开放的“主题展+空间项目”展览结构。美术馆一层为第六届青春心印的展厅，中央厅和C厅为此次青春心印的主展厅，另外有三个空间项目，一是A展厅艺术家黄俊伟的“清风与归”，二是B展厅艺术家林于思的“心经幻变”，三是利用中央U型厅艺术家杨光的“观-景”。作品的征集延续往届名家特邀、学科专家提名和投稿相结合的方式，以期多角度呈现新时期工笔画艺术群体的最新创作成果，探索当代中国工笔画新的表达方式。

据悉，此次展览将展至12月29日，欢迎广大艺术爱好者，前去关山月美术馆，一同感受青年工笔的心印之迹。

首先感谢我的同事，本次展览策展人陈博、贺翔的策展团队，感谢从北京远道而来的学术主持朱小钧先生，感谢原深圳市委书记历有为先生对我们美术馆的支持，感谢各位参展的艺术家。其次，深圳作为年轻的城市，形成了一种有别于传统社会文化的新型现代城市文化特质，追求“和而不同，兼容并包”的文化价值观，深圳城市文化的特质与中国工笔画的文化特质也是相融相通的。最后，青春心印这个平台主要是为青年艺术家提供展示平台，探索当代工笔画新的表达方式，让大家在这里成长，关山月美术馆长期关注当代青年美术的创作，关注青年工笔画，也是关注未来。

今年和前五年最大的差别是空间项目的出现，一年前我们在讨论这个展览结构时，思考如何让传统的工笔画突破绘画的局限性，生发更多新的可能，于是诞生了空间项目——杨光的“观-景”、黄俊伟的“清风与归”、林于思的“心经幻变”。从题目可以看出这些艺术家对传统文化的认知和对当下的理解，用传统的的元素，生发出新的可能。今年主展厅部分的作品最大的变化是，年轻的艺术家们展现了多元的思维模型，即大家在重要的学科领域的顶层逻辑，年轻的艺术家不再甘心工笔画局限的传统艺术领域，而在不同的门类，对自己感兴趣的方向探索出新的可能，大家把青春和热血复活在每一张纸上。展览名称“青春心印”，青春最美好的事情是，在最美好的年纪，把一切都生化为可能，“心印”是佛教用语，传递的是我们不必依靠任何外在的力量，让自己的青春的心迹显现在每一张画面上，这也是我参与六届青春心印得到的一个非常深刻的体验：未来是属于青年人的。

很荣幸我们能参加此次第六届青春心印工笔画展，对于我个人而言，我是画传统的架上工笔画的，在我的画面里会有很多关于空间的思考，青春心印的空间项目给了我提供一个很好的表达的舞台，将我创作的工笔画不断拓宽，去尝试工笔画之外的新的可能。感谢陈馆长和策展人，在布展过程中，策展人团队想尽一切办法满足我的各种要求，希望青春心印工笔画展在未来越走越好，可能有更多的项目来帮助青年艺术家，关注我们的成长。

   

  

戚锋宇 小憩 纸本设色 235x134cm_2018

邱逸曼 缀玉 纸本设色 86x68cm_2018

宋丹青 远方 纸本水墨 70x120cm_2019

王光林  轻舟又过万重山 纸本设色165x360cm_2017

取自唐司空图的《二十四诗品·超诣》：“匪神之灵，匪机之微。如将白云，清风与归。远引若至，临之已非。少有道契，终与俗违。乱山高木，碧苔芳晖。诵之思之，其声愈稀。”诗中所描绘的一种游离于现实生活体验的超脱意境，便是此项目方案所要尝试营造的效果。

将已有的工笔画创作中所描绘的思想意境，通过实物装置、位置经营等当代性的空间剧场转化，拓展出一种融合情、境、物的综合可能性，以此来实现“立象尽意”。

“象”作为感官可以捕捉到的元素，如墙面的绘画、实物装置等是此方案所要呈现“意”的视觉载体，这里的“意”则是所有这些空间关系的产物。

通过连接二维（这里指传统架上绘画）和三维（即眼前所见的各种实物装置），形成一个特定的空间场域。这里所展示的空间是一种人、物、场的错位运动关系，随着观者的游走处于不断的变化和切换，似真亦幻。而这种移步换景的视觉体验又与中国画中特有的散点透视相暗合。通过这样一场空间剧场互动，来探讨和延展传统东方绘画美学的自然观和哲学观，使观者的视觉体验、情绪和意念都归于自然的、相互的关系之中。

心经幻变 |林于思

我们在听某些音乐的时候，会有场面感。在读某些文字的时候，会有音乐响起。也恰如我读到“是故空中无色”的时候，天空在我眼中出现。

我从来没有画过要连接这么多张纸的作品，两米二宽一米高的纸，用了二十张，这是我一次买下的一小批纸，卖家说是二十张，他数漏了一张，因为之前我已经用掉了一张。冥冥中这个作品需要一个整数。

大学时期我学工笔花鸟，特别规矩的那种，临摹过历朝历代的大师，也临摹过当下许多名家，见到喜欢的作品都会回去默默的尝试一下人家的方法，有杀错，无放过，获益良多。大概十年前我开始逐渐放弃三矾九染的画法，从重新思考传统绘画的重点，建立属于自己的绘画方式和创作架构。

中国传统绘画讲求笔墨，因为墨是最先面世的颜色，所以墨拥有了第一选择权，而其他颜色没有这个待遇，我觉得应该赋予其他颜色这个权利。把图片调成黑白，其他颜色也是灰度之一，它们应该有“被用笔”的权利。笔墨这个词汇我们不会改变，但行动上可以改变。

我在这个作品中运用的所有色彩都调了灰度，试图营造一种似有似无的彩色世界，它们隐藏在一个灰度中，集结而变成力量。

这是我看心经的转换，我到现在也不会背诵心经，抄写不超过十次，每次感受不同，有时迷幻，有时笃定，这就是人生。

观—景|杨 光

《新盆景系列》借用中国传统“盆景”的形式，让工业文明最具代表性的金属——“不锈钢”和活的树木并置，形成新的景观。冰冷的不锈钢材料与温暖的、活的树木产生对立、矛盾和冲突，体现了人与自然间矛盾和对抗的含义，以及工业文明与自然生态间的语义冲突。

《折枝系列》是利用具有见证当下科技文明的电子垃圾为雕塑材料，这些材料是人类文明的废弃物，利用它所创作的作品，本身就有一种批判和反思的意味，作品通过电路板特殊的肌理和质感，呈现出一种令人触目惊心的“美丽”。两个系列作品不仅仅是一个观看的对象，而且是一个思考的对象，观念化的对象。